Transphotographiques / TOY CAMERA / JOUER pour VOIR

François Daumerie

« à propos de Toy-cameras... »

L’oeil vagabond, François Daumerie pose son regard en noir et blanc sur le monde qui l’entoure. Il « prend » des photographies qu’il « donne » à voir.

Adepte de l’écriture photographique le toy camera lui permet de déambuler au gré de ses errances.

La conception de ces « appareil jouets » rend aléatoire la prise de vue, voilant parfois le film, intégrant les perforations et les inscriptions de la pellicule à l’image finale.

Ces appareils privilégient dans la photographie ce que Walker EVANS appelait « l’enregistrement pur ».

Ils font parfois passer la disponibilité à l’émotion avant l’élaboration de l’image, laissant la part belle au hasard.

Patrice Deregnaucourt

Sténopé, cheminement rêveur

Trou d’aiguille dans la fuite du temps,

Long temps de pose,

Pause.

K-poon Dubus

K-poon Dubus développe depuis quelque années un travail personnel très éloigné des impératifs de la photographie de commande.

Délaissant la technologie numérique pour la poésie de l’argentique, il arpente les rues en quête du « hasard heureux », du « tranquillement spectaculaire ».

Dans le sillage des maîtres de la Street Photography, il essaie en toute
humilité de trouver la distance juste par rapport aux choses et aux gens.

K-Poon Dubus débute la photographie en 1994.

Après 2 années de formation en laboratoire, il travaille dans la photographie publicitaire.

En 2009, il quitte un studio publicitaire pour s’installer et mener à bien à bien ses projets photographiques.

Eric Keller

Je me demande parfois à quoi ressembleraient mes photographies si j’étais né ailleurs qu’à Dunkerque.

Lorsque j’étais enfant, nous allions attendre mon grand-père à la sortie des chantiers navals.

Mes grands parents paternels étaient polonais, immigrés en France au début des années 30.

Aujourd’hui encore, je me souviens des légendes de Pologne, d’Ukraine, de Lituanie, d’aventures vécues dans leur enfance aussi, qu’ils me contaient dans un français ponctué d’expressions dans leur langue natale. Leur accent enrobait leurs histoires d’un mystère supplémentaire.

Karol Keller était grutier au quai d’armement des bateaux. Avant l’ouverture des portes, nous nous installions en surplomb de l’immense chantier, sur une haute dune creusée d’abris et de souterrains datant des dernières guerres.

Nous prenions soin d’éviter les cheminées d’aération, profondes comme des puits qui s’ouvraient au ras du sol, sans protection, cachées par les
herbes.

Il arrivait aussi qu’en s’aventurant au bord des cales sèches, on puisse approcher l’un de ces Léviathan dont les hautes parois rouillées évoquaient un Moby Dick prisonnier dans la cage d’un zoo.

Comme la peau épaisse d’un pachyderme centenaire, la tôle portait des traces de blessures, infligées par l’eau salée de tous les océans du monde.

Sur la peinture écaillée, rongée par la rouille, on devinait le nom du vaisseau, tracé en cyrillique ou en idéogrammes asiatiques et on s’interrogeait sur les hasards qui l’avaient mené jusque là.

Sous la ligne de flottaison, les mollusques incrustés dessinaient des chaînes de volcans, des cordillères des Andes.

Karol avait entrepris de fabriquer un modèle réduit de sa grue, auquel il apportait des améliorations techniques. Combien d’heures avons-nous passées, mon frère et moi dans son atelier sombre et poussiéreux, jonché de copeaux de bois, à le regarder assembler et souder minutieusement les pièces de laiton qu’il avait découpées !

Nous l’imitions en manipulant maladroitement de nos petites mains ses merveilleux outils patinés et polis par l’usage.

Très souvent, les dimanches, nous parcourions en famille, en de longues promenades, les dunes et la vaste plage qui étale son interminable ruban de sable, au delà de Zuydcoote, vers la Belgique.

De leurs orbites noires, tournées vers la mer, les blockhaus suivaient notre progression.

Quels songes douloureux ces crânes de béton abritaient-ils ?

Ne chuchotaient-ils pas dans le vent du Nord ?...

http://cameraobscura.busdraghi.net/fr/2011/eric-keller

Alan Marsh

Alan Marsh est un photographe Anglais, basé dans son studio à Londres.

Il est spécialisé dans la photographie culinaire et de nature morte/still life et travaille principalement pour des agences de communication, de design et de l’édition.

Dans son travail de photographe commercial, il est habitué à utiliser la dernière technologie de dos numérique Phase One et autres outils informatiques.

Pour Toys Camera Alan est sorti de son studio pour retourner sur les lieux de son enfance et revisiter le paysage de son passé.

Né à Douvres, il a grandi en observant le nord de la France. C’est un des passe-temps favoris des gens de Douvres que d’observer - avec de préférence des jumelles - ce qui se passe de l’autre côté de la Manche et de s’émerveiller à chaque signe de vie qui peut se deviner à l’horizon.

Il n’était qu’un écolier quand il découvrit la magie de la photographie. Il suivit sa passion en étudiant la photographie at Medway College of Art & Design in Rochester in Kent et en travaillant ensuite comme assistant pour plusieurs photographes de publicité à Londres.

Quarante ans plus tard il retourne photographier le paysage de son enfance, équipé de l’appareil photo de sa jeunesse, un Kodak Brownie Cresta 3 1960, un box Brownie et de quelques films périmés.

Il revisite le terrain qui connecte l’Angleterre au nord de la France.

Il a trouvé le manque de contrôle technique très difficile, car ces appareils ont une prise de vue et un réglage d’exposition très limités mais en même temps ces limitations lui ont permis d’adopter une approche nouvelle de l’objet, une approche plus rafraichissante qui au delà de l’aspect technique et lui ont permis de se concentrer sur les formes sculpturales de la nature.

Pour Toys Camera Alan a produit une série de douze images montées dans des cadres de 30x40cm.

Chacune d’elles est un C Type Fuji Chrystal Archive Print avec un large bord blanc.

L’imagerie sera composée de :

• Paysage duotones de formations rocheuses de calcaire (Série de quatre)
• Tirages couleur de paysages inhabités (Série de quatre)
• Prises de vue en studio. Still life d’échantillons de petites roches. (Série de quatre)

www.alanmarsh.com

Perlinpinpin

« En pratiquant la sténopéphotographie et en m’intéressant à son histoire, je mariais plusieurs passions.

Même si je n’ai pas délaissé les appareils à objectif classique composé de lentilles de verre, utiliser un simple trou d’épingle pour fixer l’image d’un objet, une personne, une scène, c’est un peu retourner aux débuts de la photographie, quand les pauses étaient longues, qu’il fallait être un peu scientifique, un peu bricoleur pour réussir ses clichés.

J’ai aimé courir les foires à la photo, à Bièvres et ailleurs, pour collectionner les petites plaques de laiton, de cuivre, dans lesquelles les sténopéistes du passé ont fait leur trou d’épingle.

Comment imaginer collection plus modeste, moins matérialiste que celles de trous ?... »

Perlinpinpin mode d’emploi, 2010

Skomvaer, Worway. 1997 (Sténopéphotographie)

Fabrice Poiteaux

« Par le petit trou de ma chambre, on voit des mondes, il y a des rivières de lumière qui l’inondent.

Dans cette petite boite, toute inversée, on marche au plafond avec une grande insolence.

Avec ce petit trou, bien rond douillet, planté tout au milieu, il y a des bascules, dont la lente puissance a pour objectif, la mise en évidence du monde et ses obsolescences. »

Caroline Robe

"Mémoire de la lumière"

Quel liens peut-on établir entre la mémoire, l’image et la lumière ?

C’est à cette question que se confronte le travail de Caroline Robe.

Très tôt, elle collectionne toutes sortes d’images qu’elle découpe dans les magazines, les journaux ou les missels jaunis ; constituant ainsi le grimoire personnel de « ses années ».

Dans le même temps, elle découvre la photographie qu’elle étudie aux Beaux arts et aux Arts décoratifs de Paris. C’est alors que se révèle à elle le
mystère inversé de la chambre noire et des techniques anciennes.

La question de la fabrication des images rejoint celle de la collection. C’est à présent la lumière qui va sceller les deux dimensions de sa recherche. Caroline Robe vagabonde, elle s’abandonne aux lieux et aux paysages comme ces derniers s’imprègnent en elle.

La photographie est d’abord à elle même sa propre boîte d’enregistrement, comme si une chambre noire travaillait en elle. C’est pourquoi la problématique de la lumière est au coeur du cheminement de l’artiste. Au delà de ses déambulations, elle cherche un lieu, l’éclairage juste où se mêlent des souvenirs du Caravage ou du Tintoret et les paysages du Nord à la teinte si particulière.

Trace de lumière, faisceaux qui se glissent entre chemins et passages étroits, forêt de clair-obscur. L’artiste trouve là la matrice qui va nourrir son travail.

Car ce qu’elle veut, c’est partir d’un point de lumière pour recréer une image, un monde, un univers. Comme cette lanterne magique qui déroulait sa féerie sur les murs de sa chambre d’enfant. La recherche de l’inframince chez Caroline Robe se mesure parfois au mystère de la réminiscence proustienne.

Mais pour la photographe, c’est la chambre noire qui va réinitialiser la magie du lieu et de l’instant comme une apparition traverse le noir, oxymore fait de clair et d’obscur, de transparent et d’opacité de mémoire et d’oubli.

C’est alors qu’un nouveau dispositif se déploie dans le travail de l’artiste.

De grands coups de pinceaux de ferricyanure et de citrate d’amonium vert viennent recouvrir le support. Avec le soleil pour source lumineuse la matière oeuvre dans l’image, elle travaille en elle comme le temps travaille nos souvenirs.

Puis, au terme du processus, l’ombre et la lumière s’inversent sur le papier à dessin et se fixe alors le cyanotype.

Image réitérée mais toujours différente comme l’instant qui se fixe à mesure qu’il s’efface.

Caroline Robe s’invente un vocabulaire fait d’images, d’impressions et de lumière qu’elle nous transmet, l’ensemble se superpose et s’entremêle comme la trame d’une histoire à déchiffrer.

Jacques Van Roy

Le jeu photographique.

Dans le temps « éternel » de la photographie, il nous faut observer les moments où la technique argentique est en phase avec la conduite de l’opérateur-photographe.

Il n’y a que dans les accidents que l’ensemble du processus se révèle, la dimension du jeu et l’incontrôlé permet de détecter les lois de séries tout comme le scientifique qui répète une expérience à l’infini, « un jour ça va marcher » pourquoi ?

C’est ici au travers d’une absence d’intention que l’on va obtenir un résultat qu’on définira comme intéressant. « Plus on veut moins on obtient, moins on veut plus on obtient ».

C’est dans ce « credo » que je me tiens depuis mes débuts en photographie.